艺术因人性而美丽

法国艺术家奥古斯特·罗丹是19世纪晚期最有影响力的雕塑家。《罗丹艺术论》是罗丹与弟子葛赛尔畅谈艺术，后者记录的口述文体，双方对文艺复兴以来的雕塑艺术发展，技巧和方法，思想和精神进行了愉快的交谈。傅雷在1931年受聘于上海美专之时，翻译了该书作为美学讲义。

罗丹的艺术生涯开始得较晚，重大突破发生在1880年，那一年，罗丹赢得了为新建的装饰艺术博物馆设计青铜大门的重要委托，罗丹的艺术才华引起了世人的瞩目。《地狱之门》着重描述罪人的命运，主题受到但丁的《神曲》地狱篇和波德莱尔的《恶之花》的影响。怎样表达人物内心隐秘且不受控制的激情？文学可以一字一句细细地描摹，但雕塑却只能抓住某个瞬间，通过形体曲线赋予石头或铜像以灵魂。罗丹告诫学生，“艺术所创造出来的形，只是给予情绪一个引子，由此引子，情绪可以由觉醒而扩大，而幻出无穷的变化”，艺术的能事即在于，“所引起的感觉，尽够观众们活跃的心灵自由活动”。

怎样表现艺术的写实力量？罗丹指给葛赛尔看《浪子》的雕像。为了表现少年的苦闷，罗丹将人体筋肉和形体的姿势，夸张到了最兴奋的状态。两臂高举，仰天呼号，身躯绷紧，无所支撑，头颈极力后仰，望向穹苍。葛赛尔揭晓了罗丹奇特的工作法，男女模特在工作室里自由活动，这是罗丹视觉中最习见的场景，他长期观察着他们，将每一个姿态印刻在脑海里。

只有生动尚不够，伟大的艺术家皆心怀悲悯。罗丹说：“自然中公认为丑的事物在艺术中可以成为至美。”罗丹将视线更多地投向劳苦大众。丑也是一种审美。比木乃伊还要皱缩的老宫女，皮肤紧缩在瘦骨嶙峋的躯壳上，似乎全体的枯骨在战栗，葛赛尔面对罗丹的雕像时感受到强烈的撞击。

专注于表达原始恐惧与激情，这一特质将罗丹与现代艺术深入人类精神层次的要求相联系。罗丹在作品无论是描绘战争的惨境，还是探索生存之难，都极力强调现代生活对于人们心理产生的影响。比如群雕作品《加莱市民》。背景是1347年英军围困加莱时六位市民以生命换取英军撤退的壮举。但作品并不呈现壮阔的战争场景，而是刻意采用了粗糙的表面质感，将绝望与反抗凝聚于疲惫的身躯和笨拙的形体。

很显然，在罗丹的理念里，艺术并不是高高在上供人赏玩的物件。它是人性的，因而是美的。“愿做‘美\’的使者的朋友们啊，你们或许会欢喜在这里找到一些深长的经验之谈吧。虔诚地爱你们的前辈大师吧。”这是罗丹的殷殷嘱词，也是傅雷给予学生，给予后人发自肺腑的话语。（林颐）

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