稀世宋画体现的徽宗的艺术标准

大众日报 2018-11-03 05:48 大字

□康平整理

宋徽宗作为历史上屈指可数天赋极高的艺术家皇帝,在书法、绘画、诗词、茶道、建筑等多个领域,有何种影响?以绘画为例,作者选取五幅名作,进行了细致分析。

人物画

用绘画拍皇帝马屁的一个适合例子就是《文会图》,这幅画被认为是由徽宗宫内的一位或多位画师创作,徽宗和蔡京都在上面留下了题跋。画的重点是一张很大的宴会桌,八位身着文人服饰的人环桌而坐,旁边有仆人服侍,还有两位文人在附近交谈。树上的叶子都是一片一片画出来的,并用比较粗的线条勾勒出树干的粗糙质感。人物画得非常精致,其中几个人物衣服上都画出了阴影,胡须也是一笔一画地精心描出。

这幅画上有两首题诗,使之有别于其他描绘庭院的作品。在画的右上角有徽宗御笔亲书画题“文会图”和一首绝句:

儒林华国古今同,吟咏飞毫醒醉中。

多士作新知入彀,画图犹喜见文雄。

在这首诗中,徽宗赞颂了文人雅士聚集在一起的欢畅情景。暗示他对人才济济的情况感到满意。图的左上方是蔡京的同韵和诗。他将徽宗吸引人才的能力比作唐太宗任用十八学士这个著名典故。但蔡京进一步指出,徽宗的时代比唐代更好,因为徽宗吸引的人才可不仅仅是十八学士:

明时不与有唐同,八表人归大道中。

可笑当年十八士,经纶谁是出群雄。

我们从上面的题诗中可以得知,徽宗与蔡京一起欣赏了这幅画,并谈论了画中蕴含的意义。中国的人物画与叙事画经常引用一些带有儒家道德教育的故事,他们将这种解释也用在了这幅画上。蔡京用这幅画来奉承徽宗,这是非常可能的；可以想象,蔡京可能将此主题授意某位画师或主管宫廷画师的官员,其用意是使作品符合自己的这种目的。

花鸟画

花鸟画通常不会有人物画的这类含义。在徽宗的《宣和画谱》中,对花鸟画的介绍重点是花鸟的种类繁多,以及人们多么喜欢品评它们。《诗经》中有很多花鸟的描写,从那时起,诗人就开始寄情花鸟,通过描写花朵枯萎或鸟是否鸣叫来表达感情,而最细腻的画家也能够达到同样的效果。

徽宗时期有两幅花鸟画非常引人关注——《腊梅双禽图》和《芙蓉锦鸡图》。尽管艺术史家过去认为这两幅画是徽宗的作品,但现在普遍认为,徽宗只是御笔题诗,作画的人很可能是宫廷画师。因此,《腊梅双禽图》和《芙蓉锦鸡图》是徽宗与宫廷艺术家共同创作的例子。这两幅作品很可能都是皇帝赏赐给某位大臣的礼物。

《腊梅双禽图》和《芙蓉锦鸡图》的印鉴是一样的,都有“宣和殿御制并书”的字样,然后是徽宗的花押(由两个字组成,意为“天下一人”)。此外,这两幅存世画作的尺寸几乎一模一样,长、宽相差都不到两厘米。而且,两幅画的构图似乎都有意为题诗留出较大的空白,题诗都是以瘦金体写的五言绝句。它们甚至在题材和构图上也很相似:都画了一大一小两株植物,有一两只鸟栖息于那株较大的植物上,旁边画了一些昆虫。在每幅画中,物体在整幅画面中的位置都很平衡,对所处位置的高度或其他自然场景几乎不作任何描述。

《芙蓉锦鸡图》的题诗如下:

秋劲拒霜盛,峨冠锦羽鸡,

已知全五德,安逸胜凫鷖。

蔡涵墨认为,这首题诗使得《芙蓉锦鸡图》很适合作为礼品赐给一位显赫大臣,而且可能是在他得到提拔之时。这首诗的言下之意是,接受这幅画的人与别人相比,就像锦鸡与其他鸟类相比一样:地位显赫,戴着一顶高高的帽子(如同官帽),在普通的同类中(比如家鸭和野鸭)怡然自得。这幅绘画非常精美。画中一只色彩斑斓的锦鸡,正回头眺望两只飞舞的蝴蝶。蝴蝶被一株盛开的芙蓉树和树下的小菊花吸引。通过画出锦鸡压低芙蓉的一根树枝,来表现真实存在感。画家以观察细致入微的笔触来表现画中的主要元素,即鸟和蝴蝶。锦鸡羽毛的纹路和颜色用细碎的笔调描出,甚至连尾巴上羽毛末端的红色也清晰可见。

相对而言,《腊梅双禽图》没有《芙蓉锦鸡图》那么华丽,不但两只鸟的色彩要黯淡得多,也没有引人注目的蝴蝶,而是几只不太起眼的蜜蜂或黄蜂在围着树丛飞来飞去。季节也不一样,这幅画描绘的是冬天或早春时节,而不是秋天,画上有两只小鸟,而不是一只大鸟。此外,在这幅画中,所有的元素都没有被裁切:腊梅丛及其底部生长的小百合花都完整可见。画上的题词如下:

山禽矜逸态,梅粉弄轻柔。

已有丹青约,千秋指白头。

画中的两只鸟在中国被称为“白头翁”,通常用来比喻那些上了年纪的人。由于诗中提到头发花白的人已经在一起度过了一千个秋季,那么,这幅画的主题一定是夫妻恩爱,画中的两只鸟代表着夫妻二人将永远在一起,直到头发变白。这幅画可能是赐给一位新近结婚的亲戚,或者是结婚时间很长值得庆贺的亲戚。

山水画

艺术史家经常会把宫廷山水画解释为传递宫廷或王朝的积极信息,如表现出皇帝的威望、权威或太平盛世。为了支持这种观点,他们通常会引用11世纪宫廷画家郭熙关于山水画的一篇文章中的话,郭熙将高山比喻为众山之王,而且“其象若大君,赫然当阳,而百辟奔走朝会,无偃蹇背却之势也”。从这段文字中,学者推断出中央的主峰代表了皇帝,有的学者还从中读出了更多的信息,例如姜斐德将郭熙的《早春图》描述为“对新政成功的典雅隐喻”。宫廷的文学规范使人们从作品中解读出某种宣告,在温暖的春天,自然界万物欣欣向荣,犹如国家在皇恩浩荡下繁荣兴旺一样”。比较确定是由徽宗朝宫廷画家创作的最著名的两幅山水画,一是王希孟的《千里江山图》,收藏于北京故宫博物院,一是李唐的《万壑松风图》,收藏于台北“故宫博物院”。这两幅画均无明确表达政治意义或目的的题字。

王希孟的作品后面,有蔡京于1113年题写的跋文,记录了画家创作这幅作品时年仅十八岁。在此前一年,王希孟还是宫廷画院的学生,徽宗发现了他天赋非凡,决定亲自指点笔墨技法,使其绘画技艺突飞猛进。这幅画最令人惊叹的特点是明亮的色彩及尺寸与规模,它使用了厚重的矿物颜料,使画面的色彩比现存同时期的青绿绘画都要鲜亮。画幅非常大,长约十二米,高半米。作品中不仅描绘了山水,还有绵亘的山势,穿插其中的道路、桥梁、瀑布等景观。地形富于变化,远近浓淡非常逼真,体现了11世纪时山水画技术的进步。

一些现代学者认为,宋代山水画中的青绿色是道教神仙居所的颜色。然而,在这幅画中,辽阔的土地看起来充满生活气息,并非只有隐居学者和道教隐士活动的偏远地区,画中人物看上去也不像是神仙或长生不老的人,相反,里面可以看到点缀的屋舍和小船,人们在捕鱼、磨面和种田。

还有学者认为使用青绿色是一种崇古,是在对唐代使用这些颜色致敬。王希孟从唐代绘画技法中所继承的不仅是用色,还有其他一些特征,例如仔细描画出水的波纹,以及对人们步行、骑马和乘舟旅行场景的刻画。尽管如此,它的构图方式却完全是宋代的,山和树没有用线条勾勒轮廓,山峦气势雄壮,用光效果也非常生动。

李唐的《万壑松风图》上所署的日期为1124年。这是一幅尺寸很大的作品,高189厘米,宽140厘米,尽管绢的颜色被染黑了,但绿色颜料的痕迹仍然依稀可见。画的前景是一片高大的松林,松林下面乱石嶙峋,与后面的山峦形成一体。云雾将近处的山与远山隔开。画中没有人物,也没有任何迹象表明曾经有人侵扰过画中的景色。

艺术史家在谈论这幅画时,都给予高度的评价。有人认为李唐开创了南宋的山水画风,尤其是使用了“斧劈皴”来刻画岩石,另一些人则认为李唐坚持了北宋画法中突出中央山体的风格。

李唐的山水画代表了一种集中焦点的新写实主义,开创了南宋“亲近自然”的绘画风格。

将上面五幅画放在一起看,不仅证明了徽宗朝宫廷画师的精湛技艺,而且显示了他们的创造能力。他们进行了很多创新,包括将诗情和画意结合在一起。徽宗似乎并没有坚持要求画师们都以相似的方式作画,或是所有作品都必须带有政治意义。这也不足为奇。既然徽宗喜欢在画中表达诗意,就应当能接受绘画像诗歌一样,表达出多样化的思想和感情。

《宋徽宗》

[美]伊沛霞著

广西师范大学出版社

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