漫改电影 终将成为新趋势？
原创 花花 印客美学
近日《棋魂》真人版广受日本网友好评，并得到了原著老师的肯定，再次让其登上热搜。
和预告时截然不同，各种质疑与求放过童年等诸类评价早已不见踪影。
随着二次元文化的迅速发展，漫改这样由二次元蔓延到三次元的艺术体现会越来越多。未来，我们在看到更多漫改作品的同事，也可以看到更多漫画和电影的结合。
电影如何像漫画一样讲故事？
日美作为动漫强国，发展侧重虽有不同，大量尝试之下，其电影成品往往与漫画有着密不可分的关系。
以《守望者》为例，阿兰·摩尔[英]漫画原著本就作为唯一获得过雨果的图画小说里程碑。自1985连载问世以来，好莱坞多位导演曾想将之制成电影均铩羽而归。
时间转至2006年，此时，刚因《斯巴达300勇士》成功而风头正劲的导演扎克·施耐德[美]毅然担下重担，利用合理的叙事改编终于给出了令人满意的视觉呈现。
《守望者》作为漫改题材电影，在叙事结构上基本忠于原著，从笑匠之死作为开端，以罗夏独自调查展开影片内容。
电影分为三个版本：普通版、导演剪辑版和导演终极剪辑版。
他们与原著漫画的最大不同就在于结尾部分：电影把伪造的巨型外星鱿鱼袭击变为了全球主要城市核爆，并通过模仿曼哈顿博士辐射的特征，将凶手怪罪于博士身上。
这恰恰契合了《守望者》的时代背景——美苏冷战，核，仍然是高悬的达摩克利斯之剑，亦是现代无法挥去的阴影。
漫画与现实背景进行了合理的勾连，从而给予观众更为真实的心理体验。
其他的优秀漫改作品，诸如《蝙蝠侠黑暗骑士》、《小丑》的成功，也都是叙事与背景真实可信，合理且符合当前世界观的，足够消除违和感。
这种叙事由漫画成功过渡到电影之上，既不突兀也未用力过猛，有营养且有深度。
正所谓好的作品总是多多少少会反映到社会问题。
但这一点，正是漫改电影容易出现问题的地方，生硬照搬漫画原著抑或完全跳跃不合逻辑，会让人产生割离感，渲染方向已是往真实世界靠拢。
另一部经典漫改美剧《行尸走肉》则是个很好的反面例子，前期剧情稳定，符合原著的同时也有自己的思考。
到中后期，为了续订而续订，缺少剧情的支持，故作深沉且拖沓，人物突然智商变低圣母化，叙事不合逻辑，整体愈来愈差，这说明了漫改仅靠情怀和IP是远远不够的。
好的叙事必定在尊重原著的基础上，会有许多合理化与贴近现实的倾向。
导演或编剧对不断变化的世界做发出反应，在电影讲述内容中掺入自己更多更新的反思，以此做到丰富内涵深化主题带来更好的荧幕体验。
电影画面如何拥有漫画感？
有了合理的剧情线仍是不够的，成功的漫改电影巧妙地吸收了漫画的精髓，将之运用其中。
熟悉漫画的粉丝们应该清楚，画格作为漫画最基础要素，从最开始的规规矩矩，到逐渐冲破界限，各种表现手法随着漫画发展也是丰富多样起来。
第一部现代多格漫画通常被认为是19世纪的《黄孩子》,摆脱了之前漫画字画分离更似连环画之感，更是革命性引入对话框——以此打破了漫画固有死板僵硬的阅读顺序。
时间转至1945，手冢治虫凭借处女作《新宝岛》作为开端，其作品巧妙的引入分镜、蒙太奇手法，更是突破性的使用了拟声词和速度线，不断改变分格的运用。
这种丰富的表现形式使得镜头表现感愈发出众，将这种“漫画感”加入到电影中更是尤为独特。
于2018年上映的《蜘蛛侠:平行宇宙》，其漫画语言在电影用运用的几近完美。
不仅延伸了《sin city》大胆使用黑白色、高对比度、硬调画面，以求模拟漫画原著的形式感和画面氛围，更是形成了一种独特、新型的黑色漫画电影风格改编手法。
在充满实验性糅合各种风格下取得平衡，使其拥有了具有独特魅力的后现代主义漫画电影美学体验。
奥斯卡金像奖、金球奖、动画安妮奖、英国电影学院奖、美国制片人工会奖……殊荣不胜枚举。
亦从侧面反映了《蜘蛛侠:平行宇宙》作为颇为成功的好莱坞漫改商业电影的独到之处。
影片围绕少年迈尔斯，讲述了由反派的超级对撞机展开平行宇宙，以五位其他宇宙的蜘蛛侠(漫画原著实在是太多太多各种各样的蜘蛛侠了）带领小黑蛛成长认识自己的故事。
故事虽然俗套，但镜头表现却极为非凡。
电影将漫画特有的拟声词与表现心理的对话框，漫画效果线、画格与网格底面一一呈现。
发挥了漫画画面特有的张力优势，使整部影片画面不拘一格、灵活自然堪称视觉盛宴。
这也让不少漫画粉享受着“动态漫画”的快感。
另外，CG动画罕见的十二帧每秒，使用定格帧突出力量感，模糊帧表达运动。
朋克艺术、故障艺术与波普艺术等等也多次交替出现，冲击力极大的色彩对比，繁而不乱。
《蜘蛛侠:平行宇宙》类型电影的稀有，正是因为“风格化真实感”这一概念早已提出多年，使从业者形成了保守的创作思维。
工业化和固定模式化对艺术创作来说可谓是灾难性的。
创新必不可少，技术与研究才会因新要求不断发展，《蜘蛛侠:平行宇宙》正好做到，索尼终于在年底打破了迪士尼传统动画画面千篇一律一家独大的局面。
更如日本动画大师押井守的《攻壳机动队》、大友克洋的《阿基拉》、今敏的《红辣椒》……正是漫画分镜与后现代主义的精彩运用成就了影史经典范例。
电影的“颜艺”如何把握？
漫画往往是现实生活的夸张化呈现。
并且，由于漫画艺术本就是在现代绘画观念的影响和商业需求的推动下催生的艺术形式。
因而它从诞生之初就与夸张技巧紧密相连，甚至成为这门艺术形式采取的主要创作手法。
人物的夸张变形是漫画至关重要构成部分，但在电影之中，往往需要思考“夸张”的分寸。
力道的把握是最为关键的，不然会给以人不合时宜、浮夸做作之感。近年来，漫改动画、漫改电影抑或普通电影都时常出现，可以看做是漫画对电影的又一视觉影响。
作为其中表现力度最为夸张的“颜艺”(二字本身来源于日语，为“颜芸”，是指人物在某些情况下面部表情极度扭曲的样子)，在《阿松》、《游戏王》、《死亡笔记》等诸多作品中均有较好的呈现。
在以喜剧、恶搞著称类型影视剧中，漫画中的夸张往往能够为之增添色彩。
如《银魂》和《我是大哥大》，作品本身就是喜剧类，无论是在漫画、动画还是真人电影里，夸张的外形却不显突兀且具有一定真实度。
更是运用特写镜头精确捕捉演员合理刻意变形的表情，以此很自然反映出角色情绪变化与心理状态，达到立体化角色人物形象和推动剧情的目的。
但这种夸张并不是适用于任何作品。
再举一个反面例子，《灵能百分百》不管漫画还是动画都足够优秀，但真人化却十分令人失望，先不谈人物的还原度与剧情。
单是主角的面目表情，就差强人意。
原著本身作为热血漫，不论平日温和呆萌弱小的路人形象，还是灵能值百分百后冷酷无情威力惊人的反差，主演都没有很好的表现出来。
要么过于死板要么用力不足，远远没达到原著变身后爆发巨大冲击力的荧幕效果，最终只能白白浪费这一优秀IP。
总而言之，影视作为视听结合的艺术类型，对比漫画而言，人物形象动作表情与服饰及周遭环境，需要合理合时的夸张变形，这点尤为重要。
漫画作为一种几个世纪长盛不衰的艺术形式，其叙事、特有语言及夸张变形，无一不深深影响着电影的视觉效果，如今我们观赏的佳片，多少都会具有漫画的影子。
而随着技术不断推陈出新，在互联网时代高速发展的今天，未来更是令人充满期待。
原标题：《漫改电影，终将成为新趋势？》
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